Collection: Bukerexpositie #43 - Galerie de Thorigny

Gallery de Thorigny is situated in one of the most beautiful arrondissement of Paris; the Marais. It has for purpose to make art accessible to all. Additionally, it is committed to supporting and welcoming artists from a range of backgrounds. Just like art reflects society, the Gallery mirrors its surrounding environment.
The intention of this exhibition, is to showcase three unique artists that portrays the Gallery’s ethics. Through this exhibition, we wish for you to be transported to our Parisian artistic environment.



Valentin Ammann : 

Born the 23rd July 1991, self-tough, it was at the age of thirteen that Valentin Ammann discovered image processing software in his native Alsace. He undertakes an experiment in ‘digital brut’ art which will lead him five years later to produce his first series of images: music album covers. A practice that he will not give up. In 2013, Valentin Ammann designed his first exhibition in Paris: ‘Origo’ in which he tackled the symbolism of the sacred feminine’. This experience will open a field of artistic research which will lead him five years later to design his engraving technique combining computer and manual processes.

Using a unique creative process, developed by him, where digital painting combines with dotted engraving, and where the styles precedes the chiseling, proclaiming in passing the prevalence of the hand in his work, the artist questions how relative the perception is. The spectator’s usual immobility is contrasted with the need to move around the work in order to « see », and not to see anything. The dark panels seemed to be embroidered with light, it is indeed an aesthetic of emptiness and nothingness that Valentin Ammaan is developing here. Passing through the thousands of manually executed oculi, the beams of light give body to the void they inhabit, and form a figure on the uniform surface from which they emerge.

And yet there is, nothing but holes as dark as the panel they punched. By moving on either side of the work, the spectator experiences the vanishing of these constellations which he has had the leisure to marvel at when facing it, there is nothing but nothingness, where however, the void can be guessed if one is careful. One might think that Valentin Amman paints, like a Seurat, with light. And yet, it is by substracting the material that the artist works, not by adding, in other words, by creating a void. As padoxical as it may seem, it is the work of a sculptor that is offered to us here.


Autodidacte, c’est à l’âge de 13 ans que Valentin Ammann découvre les logiciels de traitements d’images dans son Alsace natale. Il entreprend une expérimentation de l’art ‘brut numérique’, qui le conduira 5 ans plus tard à produite sa première série d’images : des pochettes d’albums de musique. Pratique qu’il n’abandonnera pas.En 2013, Valentin Ammann conçoit sa première exposition à Paris : ‘Origo’ dans laquelle il aborde la symbolique du ‘féminin sacré’. Cette expérience ouvrira un champ de recherche artistique qui le menera 5 ans plus tard à concevoir sa technique de gravure alliant procédés informatiques et manuels. Cette expérience lui permettera aussi d’aborder les thèmes principaux de son travail : Le vide, la perception et la science.

Recourant à un processus singulier de création, mis au point par ses soins, où le digital painting s’allie à la gravure en pointillés, et où le stylet précède le burin, proclamant au passage la prévalence de la main dans son travail, l’artiste questionne la relativité de la perception. L’usuelle immobilité du spectateur est contrecarrée par la nécessité de se mouvoir autour de l’oeuvre pour « voir », y compris pour ne rien voir.

Car si ses sombres panneaux semblent brodés de lumière, c’est bien une esthétique du vide et du néant que développe ici Valentin Ammann. Traversant les milliers d’oculi exécutés manuellement, les faisceaux de lumière donnent un corps au vide qu’ils habitent, et forment une figure sur l’uniforme surface dont ils émergent. Et pourtant il n’y a rien, rien que des trous aussi sombres que le panneau qu’ils ont perforé. En se déplaçant de part et d’autre de l’oeuvre, le spectateur expérimente l’évanouissement de cette constellation dont il a eu le loisir de s’émerveiller en lui faisant face, il n’y a plus rien que le néant, où le vide se laisse toutefois deviner si l’on est bien attentif.

L’on pourrait songer que Valentin Ammann peint, à la manière d’un Seurat, avec de la lumière. Et pourtant, c’est en retranchant la matière que l’artiste travaille, pas en en ajoutant, autrement dit, en créant du vide. Tout paradoxal que cela puisse paraître, c’est bien le travail d’un sculpteur qui nous est proposé ici.



Shono Inoue : 

Born in japan the 19-06-1992, he uses the vanishing classic technique of photography to quietly and slowly scoop up things that are almost lost in the modern world. He pays homage to the history of photography and speaks to us honestly in light and shadow, but with elements of visual literature that are more closely aligned with the image than with the fixed four-sided frame of a photograph. For this reason, it is difficult for us to understand his work in terms of the documentary aspect of photography. We can only smell the flow of time that was there, just as we smelled the flowers by the roadside back then.

Né au Japon le 19/06/1992, il utilise la technique classique de la photographie qui et en voie de disparition pour ramasser tranquillement et lentement des choses qui sont presque perdues dans le monde moderne. Il rend hommage à l’histoire de la photographie et nous parle honnêtement dans l’ombre et la lumière, mais avec des éléments de littérature visuelle plus proches de l’image que du cadre fixe à quatre côtés d’une photographie. Pour cette raison, il nous est difficile d’appréhender son travail sous l’angle documentaire de la photographie. Nous ne pouvons que sentir les fleurs au bord de la route à l’époque.


“As soon as I leave myself alone, I turn to the inside of my selfish self. For me, photography is a way of paying homage to my ancestors, who did not consider the heart to be their own, but rather the heart to be the moment of contact with all things, which they called yugen or wabi-sabi, and which has been passed down from generation to generation, and which gives me the opportunity to weave anew its majestic and delicate indigenous culture.”

-From artist's statement-




Tokio Okada : 



TOKIO Okada was born on 11/12/1991 in Saitama, Japan. He picked up his first camera at the age of 14 and started shooting his friends and landscapes. Graduated from Dokkyo University with degrees in globalism and tourism, he worked in Go Sees Studio in Tokyo as an assistant for various fashion and beauty photographers for 3 years. He moved to Berlin, Germany in 2017 and started his career as a photographer. He is based in Paris, France since 2019.

Tokio Okada est né le 11/12/1991 à Saitama, au Japon. Il a pris sa première caméra à l’âge de 14 ans et a commencé à photographier ses amis et des paysages. Diplômé de l’Université de Dokkyo avec des diplômes en mondialisation et tourisme, il a travaillé au Go Sees Studio à Tokyo comme assistant pour divers photographes de mode et de beauté pendant 3 ans. Il a déménagé à Berlin, en Allemagne, en 2017 et a commencé sa carrière de photographe. Il est basé à Paris, en France, depuis 2019.



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